jueves, 18 de junio de 2015

ANISH KAPOOR, ESCULTURAS E INSTALACIONES ARTÍSTICAS, CARACTERÍSTICAS Y OBRAS. LA EXPOSICIÓN DE VERSALLES DE 2015.

En este artículo visitamos los jardines del palacio de Versalles, pero no para informarnos sobre ellos, sino para asistir a la controvertida exposición de Anish Kapoor, un artista que realiza instalaciones monumentales ("site-specific") que, en esta ocasión, interactúan con los visitantes del sitio más representativo del Antiguo Régimen de Francia. Kaapor es uno de los escultores más influyentes que trabajan hoy en el mundo por sus formas escultóricas enigmáticas, que permean el espacio físico y psicológico, pero también de los más polémicos. La muestra permanecerá allí desde junio a noviembre de 2015 para comprobarlo.

Anish Kapoor en la presentación de sus instalaciones de Versalles ante la prensa el 5 de junio de 2015.


Analicemos su trayectoria y veamos a la vez lo que nos presenta en Versalles.

Las raíces del trabajo de Anish Kapor. Décadas de los 80 y 90.

Anish Kapoor nació en Bombay (1954), pero se formó y reside en el Reino Unido desde 1973. Siendo todavía estudiante, participó en diferentes concursos y muestras (v.g. exposición colectiva  Art into landscape, 1974, en la Serpentine Gallery de Londres) donde ya mostró su predilección por la abstracción escultórica y las instalaciones. Se fraguaba ya la figura de uno de los máximos representantes de la denominada nueva escultura británica, junto a otros artistas como Richard Deacon y Toni Cragg.

Para entender su estilo a partir de la década de los 80, que es la que le catapulta a la fama, hay que conocer sus raíces hindúes, aunque él siempre afirma que su origen no tiene nada que ver con su genio artístico. Pero es un hecho que su reconocimiento internacional llegó tras la visita que realizó a la India en 1979 después de muchos años de ausencia. En el reencuentro con su tierra natal quedó fascinado por los múltiples colores de los montículos de polvo de especias y plantas medicinales que se ponen a la venta en los puestos callejeros. Estos polvos se utilizan como ofrenda y se arrojan contra la gente en las fiestas de la primavera.

Puesto del mercado de Devajara en Mysore, India, donde se venden los polvos de colores que se utilizan en la fiesta de Holi.


De regreso a Inglaterra, comenzó a explorar las posibilidades del uso pigmentos de colores vivos en polvo sobre formas geométricas hechas con contrachapados de madera inicialmente y luego en fibra de vidrio. Así surgieron obras como las de la serie 1000 Nombres (1000 Names) que expondría en la Galerie Patrice Alexandre de París en 1980, su primera muestra individual. A partir de 1986 abandonó la madera y recurrió a la piedra (bloques de granito, caliza, arenisca, mármol o yeso) para crear sus estructuras abstractas, a las que también dio toques de color. El Museo Reina Sofía de Madrid adquirió en 1991 obras de ambos estilos.

Anish Kapoor. 1000 Names (1000 nombres), 1979-81. Contrachapado de madera, yeso mate y pigmentos, 122 x 183 x 183 cm. Museo Reina Sofía, Madrid. Las esculturas de Kapoor suelen explotar las cualidades místicas y emocionales de color. Estos primeros trabajos consistieron en nítidas formas orgánicas y geométricas cubiertas con suntuosos pigmentos en polvo de distintos colores. Bajo su manto de color puro, las esculturas de Kapoor parecen casi incorpóreas e ilusorias, sin peso, como si estuviesen suspendidas. La foto de la instalación en el museo no puede ser de peor calidad. Lo siento.


Anish Kapoor. Es hombre (It´s man), 1988-1990. Piedra arenisca y pigmentos negros, 241 x 127 x 114 cm. Museo Reina Sofía. La obra es una reflexión sobre el espacio. Kapoor, siempre atraído por los opuestos, confronta en esta obra lo pesado del bloque con el aparente vacío interno que provoca el rectángulo negro hecho con pigmentos en polvo.


Su éxito fue vertiginoso en los años 80, llegando el caso de que sus obras se vendieran incluso antes de la inauguración de la exposición, como le ocurrió en la que hizo en la Barbara Gladstone Gallery de Nueva York de 1986. No tardaron los premios como el Premio Duemila al Mejor Artista Joven, por su participación en la 44 Bienal de Venecia, en 1990, y, un año más tarde, el prestigioso Premio Turner. Y con los reconocimientos llegó el ingreso en los museos de arte contemporáneo de todo el mundo: la Tate Gallery o la Hayward Gallery de Londres, el Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía de Madrid, o el Kunsthalle de Basilea. Para saber más sobre su curriculum, exposiciones y premios, que son muchos, pinchad en este enlace con su biografía que elaboró el Museo Guggenheim de Bilbao. De esa manera me permito centrar el artículo en apreciaciones artísticas a cerca de su estilo y obra.

Anish Kapoor. "Como si al celebrar, descubrí una montaña que florece con flores rojas" ("As if to celebrate, I discovered a mountain blooming with red flowers"), 1981. Madera, cemento, poliestireno y pigmentos de colores, dimensiones variables. Tate Gallery Modern. Esta obra, en la misma línea que la que posee el Museo Reina Sofía, fue adquirida por la Tate en 1983. Pertenece a la serie de los 1000 nombres. El nombre o título proviene de combinar el comienzo de un Haiku japonés, que le impresionó, con el mito del nacimiento de la diosa hindú (Devi) en una montaña de fuego.


Sus pigmentos vivos empezaron a cubrir formas de tamaño cada vez mayor como óvalos y cavidades hemisféricas hechas de fibra de vidrio. Una de sus obras más representativas de esta época es En el centro de las cosas (At the Hub of Things), que se considera obra cumbre de los conocidos como «vacíos». Cubierto por un vivo pigmento de polvo azul prusia, este hemisferio cóncavo de fibra de vidrio simboliza al aspecto femenino de la divinidad hindú, Kali, representada en su profundo azul oscuro. La cavidad, que evoca la feminidad y la Gran Diosa, sugiere las profundidades ocultas del vientre, pero también puede ser su opuesto si la rodeamos, convirtiéndose en la convexidad. Por lo tanto, la escultura alude a la vida, así como a la oscuridad y a lo desconocido. Mirar en ese profundo vacío azul es una experiencia vertiginosa que provoca a la vez miedo y alegría.

En el centro de las cosas (At the Hub of Things), 1987. Fibra de vidrio y pigmento, 150 × 163 × 141 cm. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC.


En los años 90 continuó trabajando en las formas simples, pero atreviéndose cada vez más con el gran formato y buscando implicar a los espectadores en sus obras, es decir, empezó a realizar verdaderas instalaciones artísticas más que esculturas de gran tamaño. En una instalación el visitante tiene que relacionarse necesariamente con las obras, meterse en ellas, y experimentar sensaciones como el vértigo, la soledad o la intimidad. Una de sus primeras grandes instalaciones fue la que realizó en Londres en 1998 en la Galería Hayward, de la que poseemos imágenes de su creación (ved el vídeo de debajo de la siguiente foto). Kapoor suspendió una enorme cúpula de ocho metros del techo pintada con el seductor pigmento rojo que utilizara en obras anteriores.

Anis Kapor. En el Borde del Mundo II (At the Edge of the World). En esta obra Kapoor juega con el color y la escala, con las sensaciones de atracción y nos hace replantear nuestra visión de nosotros mismos y del mundo que nos rodea. 



Sus obras tienen ya un carácter arquitectónico y necesitarán la modificación o la construcción de edificios especiales donde albergarlas. También en estos años empieza a experimentar con los espejos. El siguiente vídeo es verdaderamente interesante porque podemos ver cómo realiza las obras para la exposición de 1998 y cómo transforma la sala de exposición totalmente para conseguir sus efectos.



Marsyas, para la Tate Modern, 2002.

La búsqueda de la obra que impresione y que permita interactuar con el espectador desembocó en 2002 en la colosal Marsyas, creada para un antiguo edificio industrial, la sala de turbinas, de la Tate Modern de Londres. Nos detenemos en ella porque realmente es una obra clave de su producción. Con ella, el artista juega descaradamente con la escala humana haciendo que sus dimensiones hagan imposible verla desde un solo ángulo, de manera que el espectador deba caminar a su alrededor y subirse en alto para comprender la inmensidad de la obra. Es el comienzo de una serie de instalaciones gigantes, en muchas de las cuales colaborará con él el ingeniero de estructuras Cecil Balmond.

Anis Kapoor. Instalación llamada Marsyas,  Sala de Turbinas de la Tate Modern. Consta de tres anillos de acero unidos por un solo tramo de membrana de PVC. Dos de los anillos están posicionados verticalmente en cada extremo de la nave como tímpanos o trompetillas, mientras que un tercero se suspende en paralelo con la terraza-rellano que hay en medio de la sala. De pie, bajo este anillo y mirando hacia el vórtice de remolinos de color rojo, se pueden escuchar ecos de otros lugares, provocando un estado de admiración y asombro.


La membrana de PVC tiene una calidad carnosa, que Kapoor describe "como una piel desollada", como tendones elásticos. El título se refiere a Marsias, el sátiro en la mitología griega que fue desollado vivo por el dios Apolo. El color rojo oscuro de la escultura sugiere algo orgánico, que "pone los pelos de punta" cuando pensamos en la muerte del sátiro. 


Ante el desafío de la altura de enormes proporciones de la Sala de Turbinas, concibió su obra, paradójicamente, usando su longitud. La escala colosal en relación al ser humano y cómo se relacionaría con el espectador fue central en su pensamiento. Tal colosal obra, por desgracia, ahora no se puede ver en el Museo. Al acabar el periodo de muestra, la obra se desmontó, se enrolló y se almacenó en Norfolk en espera de tiempos mejores.




Las obras de los últimos años. Investigación en nuevos materiales y sensaciones.

La cera roja.

En 2003 comienza su indagación con otro material, que claramente se relaciona, por el magnífico color rojo sanguíneo, con lo que anteriormente había hecho. Me refiero a la cera roja y lo que hace en Mi patria roja (My Red Homeland). Una enorme masa circular de 25 toneladas de color rojo es diseccionada lentamente por una hoja de acero que arrastra la cera cortada hacia el exterior del círculo, creándose y destruyéndose a la vez.

Aunque pudiera pensarse que el título de la obra "My Red Homeland" potencialmente podría referirse a su lugar de nacimiento, la India, en realidad se refiere a "mi patria interior". Según sus declaraciones "siempre he pensado en el color rojo como mi color interior". El rojo es el color de la sangre, de la pasión y de la emoción; el rojo es el color de la carne.


Es una obra inquietante en la que se invita al espectador a sumergirse en el eterno movimiento circular de la masa, silencioso, lento y continuo de "My Red Homeland". A reflexionar sobre la materia y el ciclo de la vida. 


La cera roja es empleada en otras obras de los años siguientes con la misma idea descarnadora e hiriente. En 2006, realiza Pasado, presente, futuro ("Past, present, future"), una instalación escultórica que consiste en una cúpula de cera que un brazo mecanizado pintado de blanco y con forma que simula la pared de la galería va afeitándola en su lenta rotación.

Pasado, presente, futuro ("Past, present, future"), 2006. Dimensiones, 345 × 890 × 445 cm. Lisson Gallery, Londres.



Kapoor
resulta más interesante en la obra titulada Svayambh. Aquí, un bloque de cera roja del tamaño de un pequeño vagón de tren atraviesa varias salas de cualquier edificio donde se expone dejando parte de la cera roja en su camino. La pieza toma su nombre del vocablo sánscrito “svayambhu”, que es aquello que se genera a si mismo, que es autogenerado. La primera vez que se montó fue para el Museo de Bellas Artes de Nantes en 2007. El bloque viscosos se desplace muy lentamente, casi de forma imperceptible, y en una progresión casi dolorosa, puesto que se deja parte de su materia entre arcos o puertas demasiado estrechas. Tras cada puerta, el bloque irrumpe en el ambiente emulando una suerte de parto colosal. El contraste entre la aparente asepsia de los muros blancos y la textura de la masa de color rojo, que recuerda la sangre, resulta muy inquietante para el público. La obra invita a tocar, a dejar la huella de nuestras manos en la masa sanguinolienta.

Svayambh en la exposición de Kapor en la Real Academia de las Artes de Londres en 2009.


La instalación Svayambh en tiempo lapsado en la exposición de Kapor en el Haus der Kunst, Munich, 2008.


Kapoor juega también con  la cera roja y la inocencia de los muros blancos en la instalación titulada Disparando a la Esquina, (Shooting into the Corner), que presentó por primera vez en 2008. En este caso, un cañón creado con un compresor neumático, dispara cada cierto tiempo una bala de cera roja de 11 kilos contra una pared, esquina o puerta. De nuevo la obra resulta muy agresiva por el efecto del color que salpica las paredes y el suelo con pedazos sanguinolientos. El sentimiento de rechazo contra lo que vemos vuelve a inundar al espectador y nos hace pensar en la guerra y sus víctimas, pero tal vez es más conmovedor el sonido del cañonazo que sorpresivamente rompe el silencio de la sala.


Este montaje es uno de los que está presentes en la exposición de Versalles. Pero esta vez la obra se impregna del contexto histórico. En otras instalaciones la obra es a lo sumo un alegato contra la carnicería de la guerra; en Versalles, en cambio al estar alojada en la Sala del Jeu de Paume adquiere una dimensión más polémica aún. La sala es el lugar donde se constituyó la Asamblea Nacional en 1789, el lugar donde dio comienzo la revolución francesa. La violencia de los cañonazos, el color rojo sangre del pigmento y la masa informe acumulada en la esquina nos hace pensar necesariamente en las vidas que la democracia ha costado a la humanidad.

Anish Kapoor, Tiro a la esquina (Shooting into the Corner),  2008-2009. Instalación temporal en la Sala del juego de Pelota del palacio de Versalles en 2015 (junio a nov).



El acero inoxidable pulimentado. Efecto espejo curvo.

Entre 2004 y 2006, Anish Kapoor realizará su primera obra de carácter público en los Estados Unidos, se trata de la Puerta de la nube (Cloud Gate), instalada en el Millenium Park de Chicago. Está compuesta por 168 placas de acero inoxidable soldadas entre sí y pulimentadas de tal manera en su exterior que no tiene costuras visibles, lo que la convierte en un gigantesco espejo arqueado que refleja y distorsiona a la vez el entorno en el que está. La forma que adquiere es como la de una alubia gigante (así es conocida vulgarmente en Chicago), aunque realmente se inspiró en las gotas de mercurio líquido. Los visitantes del parque se sienten atraídos por la obra, la rodean, entran debajo de ella y juegan con su imagen. Con este tipo de obra inicia otro camino de investigación en nuevos materiales y en cómo interactuar su obra con el público.

Puerta de la nube (Cloud Gate), 2004-06. Millenium Park de Chicago, Estados Unidos. Escultura de acero inoxidable de 10×20×13 m, que pesa 98 toneladas.


De esta utilización del acero han surgido más creaciones para espacios públicos, como Espejo del cielo (Sky Mirror), que se colocó en 2006 en el Rockefeller Center de Manhattan, uno de los sitios más céntricos y representativos de la ciudad de Nueva York. El artista volvía a jugar con el espacio y con la percepción del mismo. Se trataba de mostrar al espectador, por un lado, el trajín del tráfico y de las personas yendo y viniendo por la plaza, en contraste con la imagen de un cielo atrapado en el centro cóncavo del espejo. Mientras que, si miramos por la parte convexa, los que nos vemos atrapados en la vorágine de la ciudad somos nosotros mismos.

Anish Kapoor. Rockefeller Center, Nueva York, 2006. La obra poseía 10,6 metros de diámetro y pesa 23 toneladas y alcanzaba tres pisos de altura. El lado convexo apuntaba hacia la Quinta Avenida y el lado cóncavo hacia el patio del Rockefeller Center. El espejo reflejaba e invertía los rascacielos de dicho complejo, rebajando así "el cielo hasta el piso".


Pero también el espejo puede ser utilizado en la naturaleza o en espacios históricos. En la foto inferior podemos ver una versión de Sky Mirror en Kensington Gardens, utilizado en una muestra temporal entre 2010 y 2011.


Sky Mirror también está presente en la exposición de los jardines de Versalles (junio-nov 2015), aunque no parece también integrada que en los otros dos espacios anteriores. De momento es la obra que menos seduce a los visitantes, que como vemos en la foto le han encontrado una utilidad menos elevada a la instalación.


Otra versión del espejo curvo realizado con acero inoxidable es C-Curve (2007). Por su formato panorámico y por presentarse a ras del suelo es más apto para que espectador y obra interactúen. En la misma idea, hay otra versión, conocida como S-Curve, que lo único que aporta de más es una doble concavidad y convexidad.

C-Curve ha sido presentada en distintos espacios. A mi juicio donde consigue atrapar más la atención y la fantasía del espectador es en los paisajes abiertos, porque la naturaleza dota de movimiento y de luz cambiante a la obra. La parte cóncava voltea la realidad y el suelo se convierte en el cielo, mientras que la parte convexa puede ser un espectáculo de fantasía. Si veis el vídeo de debajo de la primera foto entenderéis mejor esta última afirmación.

Anish Kapoor. C-Curve en el Brighton Festival de 2009. Acero inoxidable, 220 × 770 × 300 cm.


Las nubes de Brighton en C-Curve en tiempo lapsado.



C-Curve también está en los jardines de Versalles. Y no es la primera vez que se ha expuesto en un contexto artístico. Puso "El mundo al revés" en el museo del Louvre en las salas de Asiria en 2007.  


Los espejos curvos bajo el Salón de los Espejos de Luis XIV, Versalles (2015), adquieren un aspecto político e histórico que no podría sostener en otras situaciones.


Muy atractiva resulta la idea del acero inoxidable pulimentado aplicada a la esferidad. La monumental obra de Kapoor El gran árbol y el ojo  (Tall Tree & The Eye, 2009), instalada desde 2010 en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, consta de setenta y tres esferas reflectantes asentadas sobre tres ejes. Las superficies de las esferas se refractan entre sí, creando y disolviendo simultáneamente la forma y el espacio. Las imágenes de la ría del Nervión y el propio Museo adquieren una suspensión dinámica. El único "pero" que le pongo es que su instalación en medio del canal de agua impide que exista conexión directa entre el público del museo y la obra, lo que indudablemente no estaba en la mente de Kapoor.

Anish Kapoor. El gran árbol y el ojo (Tall Tree & The Eye), 2009. Acero inoxidable y acero al carbono, 13 x 4,4 x 4,4 m. Museo Guggenheim de Bilbao, España.




De nuevo lo colosal y sorprendente relacionado con la industria.

Los proyectos más ambiciosos aún estaban por venir. El recuerdo que dejó su Marsyas y alguna otra obra menor entre los ingleses. le impulsaron a recibir encargos permanentes de instalaciones escultóricas o  de ingeniería colosales desde 2008.

Ese año Anish Kapoor aceptó el reto de crear Temenos para el "Valle de los Soportes Gigantes" (Tees Valley Giants), un proyecto colectivo de construir en los siguientes 10 años cinco esculturas colosales en el Teeside, una conurbación del noreste de Inglaterra (Middlesbrough, Stockton, Redcar, Hartlepool y Darlington). Para planificar y levantar la enorme red «cazamariposas» de 55 metros de altura y 110 de longitud recurrió a su colaborador, el ingeniero Cecil Balmond. La magnitud de la estructura de malla de acero inoxidable entre dos anillos, acabada en 2010, es un homenaje al pasado industrial de la localidad.

Anish Kapor. Temenos, 2008-2010. Acero inoxidable. La escultura se encuentra en un paisaje industrial y portuario bastante sombrío entre el puente de Middlesbrough Transporter y el estadio Riverside. La instalación permanente ha resultado muy controvertida, no sólo por su forma, sino también porque costó 2,7 millones de libras.


En 2010, Kapoor y su ingeniero Balmond recibieron un grandísimo encargo para los Juegos Olímpicos y Paraolympicos de Londres 2012. La enorme torre de acero que gira sobre sí misma llamada la gran Órbita ArcelorMittal (ArcelorMittal Orbit). Se trata de una escultura y a la vez de un edificio. Su forma recuerda al proyecto de la Torre Tatlin para la Tercera Internacional. Es un bucle continuo de acero tubular que llega hasta los 115 metros de alto y en el que se invirtieron 1000 toneladas de acero.

Anish Kapoor. ArcelorMittal Orbit. 2010-2012. Acero.


La torre contiene dos 2 plataformas que ofrecen una espectacular vista sobre el complejo olímpico y la ciudad de Londres. 


Kapoor vendría a sorprender de nuevo al espectador con una nueva obra: Leviathan, «Un monstruo marino, grande, amorfo, incontrolable y que provoca emociones". El monstruo bíblico se dejó ver durante la cuarta edición del Grand Palais de París en 2011. Se trataba de un conjunto de esferas de goma de color púrpura que intentan buscar hueco entre los hierros y el vidrio de la enorme sala del museo parisino. Pero lo más interesante estaba en que el visitante podía pasear por su interior como si hubiera sido engullido por un monstruo.

Anish Kapoor. Leviathan, exterior, Gran Palais de París, 2011. Exterior.


Anish Kapoor. Leviathan, exterior, Gran Palais de París, 2011. Interior. Una vez dentro, se convierte en una membrana translúcida brillante de color rojo cereza. Al ser traslúcido podemos contemplar el exterior. “Mi ambición”, dice Kapoor, “es crear un espacio dentro de un espacio que responda a la altura y la luminosidad de la Nave en el Grand Palais. Los visitantes serán invitados a caminar dentro de la obra, a sumergirse en el color, y será, espero, una experiencia contemplativa y poética“. 



Para tener una idea más perfecta de lo que se sintió en esta instalación temporal os animo a que veáis este video.



En Versalles se ha construido una instalación, el único trabajo realizado especialmente para la exposición, que tiene algo que ver con Leviathan y Marsyas. Me refiero a un cubo modular titulado como Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). El trabajo hace referencia a las instalaciones mencionadas, a menor escala, por su dualidad entre el interior y el exterior, su color rojo y por las costuras de PVC que recuerdan tendones al ser contempladas desde el interior.

Anish Kapoor. Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). En los jardines de Versalles. Exterior.



Anish Kapoor. Sectional Body Preparing for Monadic Singularity (2015). En los jardines de Versalles. Interior.



Pero la obra que más polémica ha suscitado de la exposición de Anish Kapoor en los jardines de Versalles ha sido la instalación llamada ‘Esquina Sucia’ (Dirty Corner), un enorme túnel de acero rodeado de piedras que su creador ha definido en una publicación francesa como “la vagina de una reina tomando el poder”. “Lo que estoy haciendo es coger la superficie del jardín de Le Notre, abrirla y mirar dentro, o intentar mirar dentro. Inevitablemente, uno se topa con el cuerpo, nuestros cuerpos, y con un cierto nivel de sexualidad.”

Anish Kapoor,  ‘Esquina Sucia’ (Dirty Corner), 2011-2015. Instalación en Versalles.


Esquina sucia (2011-2015) es, de hecho, una instalación construida originalmente para la Fabbrica del Vapore de Milán en 2011. Allí, la obra se instaló en un almacén industrial a lo largo de 60 metros de longitud. El largo pasillo de Cor-Ten de acero sumergía al espectador progresivamente en una completa oscuridad mientras atravesaba su longitud, lo que le hacía perder su percepción del espacio. La obra se cubría de 160 metros cúbicos de tierra roja con un dispositivo mecánico, pareciendo que el túnel atravesaba una montaña de suciedad.

Anish Kapoor.  Esquina sucia para la Fabbrica del Vapore en Milán, 2011. Acero 60 metros de largo por 8 de altura.


En Versalles, el tubo de acero se encuentra la alfombra de verde cesped que se extiende entre el palacio y el Gran Estanque, con la boca del pasadizo dirigida hacia el palacio. En Versalles, en lugar de la tierra roja fina que se acumulaba gradualmente a lo largo de la estructura, Kapoor ha cubierto las secciones del tubo de acero con grandes piedras irregulares y montones de tierra, parte de este es su famoso detritus rojo sangre. En este contexto de Versalles, Esquina sucia se convierte en una obra con significados completamente diferentes. Y la polémica ha saltado no porque ofenda la armonía de los jardines, sino por la interpretación sexual que ha expresado el artista. El morbo está servido.




El artista como dominador de otros elementos.
 EL AIRE Y EL AGUA.

El atrevimiento de Anish Kapoor ha llegado muy lejos. Su idea de la creación le ha llevado a intentar ser como Dios y crear instalaciones artísticas con no-materiales escultóricos: el aire y el agua. Pero no siempre los experimentos cuajan.
En 2003 realizó para la Gallería Continua de San Gimignano la primera versión de Ascension, una instalación conceptual en la que desde una base se libera una fina espiral de humo que asciende impulsado por cuatro ventiladores que impulsan, concentra y dirigen el humo hacia el techo, donde es recogido por una especie de extractor.

Anish Kapoor. Ascension, 2003. Gallería Continua de San Gimignano, Italia.


"Ascensión" volvió a ser instalada en 2011 para la Bienal de Venecia. Esta vez el contexto no podía ser más simbólico. Kapoor escogió como ubicación el crucero de la iglesia de San Giorgio Magiore. La columna de humo debería elevarse mágicamente y como una presencia divina desde el suelo hasta la cúpula del edificio... Y digo debería porque el espectáculo resultó en parte fallido, al menos para los visitantes que inauguraban la exposición, que apenas vieron como farfullaba un poco de humo y que se desintegró después de varios metros. Si hubiera salido normalmente el efecto hubiera sido como el de la foto y el vídeo, una experiencia mística.

Anish Kapoor. Ascension, 2011. Iglesia de San Giorgio Magiore, Venecia, Italia.




Volviendo a Versalles, un poco más allá Dirty Corner, situado entre la Fuente de Apolo y el Gran Estanque, se levanta la instalación llamada Descension. Se trata una pila circular de agua en movimiento, un vórtice que forma un remolino que nos hace creer que nos llevaría hasta profundidades desconocidas.

Anish Kapoor. Descension, Instalación en los jardines de Versalles en 2015. El espectador contempla la obra en los jardines desde detrás de una barandilla y a una distancia de seguridad, lo que rompe parte del encanto.


Este trabajo se creó originalmente para la Bienal de Kochi-Muziris (India) de 2014. Se buscaba que el espectador experimentara la sensación de peligro, de  inseguridad ante este misterioso pozo oscuro  y atronador. En Versalles, por el contrario, Descension parece una gran piscina y el movimiento de sus aguas una de las muchas fuentes del jardín. Hay otra versión de la pieza actualmente en exhibición en la Galleria Continua de San Gimignano, donde podemos apreciar la instalación en su verdadero esplendor.

Anish Kapoor. Descension, 2015. Instalación de acero, agua, motor, 500 x 500 cm, En la galería Continua de San Giminiano (Italia). Descension es un inesperado gran agujero en el suelo de la galería, donde el agua negra se cuela continuamente por un sumidero. Es un vórtice de agua espumeante sin fin que atrae y que da miedo (aquí no han puesto valla). Que rompe la calma, pero que no puedes parar de mirarlo.



Para sentir la experiencia de abismo desconocido. Nada como ver el vídeo.




++++-----++++

Añadido a fecha de 10 de septiembre de 2015.

Como ya apunté cuando redacté el artículo al comenzar la exposición de Junio, la exposición de Kapoor en Versalles había comenzado con demasiada polémica y no necesariamente por su valor artístico. En los tres meses que lleva su escultura "estrella", Esquina Sucia (Dirty Corner), en los jardines del palacio ha recibido dos ataques vandálicos con pintura. El primero se limitó a ensuciar la obra con pintura amarilla (junio), pero el segundo, el más reciente (5 de septiembre), es un conjunto de pintadas racistas y antisemitas. Un acto de estupidez y de violencia contra la cultura.




jueves, 11 de junio de 2015

EL EXAMEN DE PAU DE HISTORIA DE ARTE DE JUNIO DE 2015 EN LA COMUNIDAD DE MADRID

Aquí tenemos el examen de Historia del Arte que este año ha caído en la selectividad madrileña. Lástima que este año no he tenido alumnos en esta asignatura porque el examen era bastante asequible.
Desde aquí mismo podéis verlo o descargarlo.

La opción A era, para mi gusto la más fácil, aunque en las dos había mucho que aportar.

Los temas (4 puntos). 

Si comparamos los temas, que es la pregunta que más vale, el de la opción A era mucho más fácil de responder en un folio que el de la opción B.

LA ARQUITECTURA EN LA ANTIGUA GRECIA (opción A)

- EL RENACIMIENTO EN ITALIA, centrado en el Cinquecento pero tocando tanto arquitectura, escultura como pintura, más el panoramo histórico cultural... una locura para resolver en un folio (opción B)

Las imágenes (3 puntos).

La opción A era El Aguador de Sevilla de Diego Velázquez. Un cuadro que da para hablar de la obra del principal pintor barroco español, pero también del tenebrismo y el caravaggismo costumbrista.


La opción B también era fácil de reconocer y permitía contar muchas cosas. Es. nada menos. que el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, la obra más significativa de la escultura románica española, pero también de la arquitectura.


Los términos (2 puntos) y las preguntas cortas (1 punto).

Las dos opciones tenían términos fáciles, pero es que además te permiten descartar dos, porque sólo hay que contestar a cuatro de los seis que se ofrecen.

  • La opción AGregorio Fernández, Sorolla, Fauvismo, anfiteatro, linterna, hipogeo.
  • La opción BPicasso, Lisipo, Impresionismo, talla, macsura, retablo.
Las preguntas cortas también eran fáciles de responder. 
  • La opción A: cuatro monumentos hispano-musulmanes, indicando sus características.
  • La opción B: cuatro monumentos del Antiguo Egipto, señalando la función de cada uno de ellos.

viernes, 5 de junio de 2015

EL APRENDIZAJE DE LOS ALUMNOS BASADO EN PROYECTOS. UNA PROPUESTA PRÁCTICA APLICADA A LAS ASIGNATURAS DE HISTORIA, ARTE Y CULTURA CLÁSICA.

Dando vueltas a qué significa la nueva propuesta de la LOMCE de trabajar con los alumnos en proyectos de investigación, me he topado con esta presentación editada por el British Museum, que puede ser un ejemplo muy didáctico sobre el que partir para  nuestras asignaturas de Historia, Historia del Arte, Cultura Clásica, etc.



Sobre el aprendizaje basado en proyectos (ABP).

De acuerdo con la definición que proponen los manuales sobre el aprendizaje basado en proyectos (ABP), éste es un conjunto de tareas de aprendizaje que implican al alumno en el diseño y planificación de su propio aprendizaje, en la toma de decisiones y en los procesos de investigación, dándoles la oportunidad para trabajar de manera relativamente autónoma durante la mayor parte del tiempo, que culmina en la realización de un producto final presentado ante los demás.

Como tal definición resulta teórica y liosa, digámoslo en negativo, el ABP no es:
  1. Un proyecto en los que los estudiantes aprenden cosas que no están en el currículo, lo que llamaríamos proyectos de enriquecimiento o de ampliación, independientemente de lo atractivos o motivadores que resulten para los alumnos. 
  2. Tampoco se trata de unas tareas que se hacen al final de la unidad para permitir a los alumnos pasar un buen rato. 
  3. Ni un conjunto de actividades atadas todas juntas bajo un tema o concepto.

El ABP es un conjunto de experiencias de aprendizaje, en torno a la resolución de un problema. Es el método a través del cual los alumnos pueden aprender los contenidos de una manera diferente a la instrucción tradicional, lo que implica tareas que sean un reto intelectual, basadas en la investigación, la lectura, la escritura, el debate, la utilización de las TIC, el uso de internet y las presentaciones orales ante sus propios compañeros. Pueden ser proyectos individuales, pero en la ley se apuesta sobre todo por los colectivos.

La labor de los docentes será la de propiciar el acceso a la información (proponer el momento y la materia sobre la que aprender) y la de guiar el proceso de aprendizaje (reforzando los esfuerzos grupales e individuales, diagnosticando problemas, dando pistas, ofreciendo soluciones y evaluando los resultados). El rol del profesor es más el de mediador o guía, y su labor debe centrarse en encaminar al estudiante para que encuentre la mejor solución al reto.




Los estudiantes deben ser los protagonistas de su propio aprendizaje e involucrarse en el proceso de investigación, lo que implicará: la toma de decisiones autónomas sobre qué voy a investigar y cómo lo voy a planificar; la indagación de información sobre el tema; la construcción de nuevos conocimientos; y la presentación de los mismos ante sus compañeros. Los alumnos deben saber que son responsables de su propio aprendizaje, puesto que contarán con sesiones en el aula, pero también de tiempo de trabajo sin supervisión en su casa. En ese camino de aprendizaje el alumno encontrará dificultades lógicas como generar preguntas científicas significativas, manejar el tiempo, transformar información en conocimiento y desarrollar argumentos para apoyar sus tesis... Es entonces cuando el alumno más adelantado aprenderá por sí mismo al superar estos problemas y el que se encuentre frente a un muro insalvable recurrirá a la ayuda del profesor que le orientará sobre cómo proseguir.


Al aplicar el ABP, los profesores se encontrarán también con dificultades que hay que tener en cuenta antes de ponerlo en marcha. Los problemas más habituales son:

  1. que los proyectos suelen tomar más tiempo de lo que habitualmente se programa, por lo que debemos plantear retos asequibles. 
  2. que el orden en las clases no es tan controlable, por lo que el profesor deberá encontrar el  equilibrio entre permitir a los alumnos trabajar por su cuenta y mantener cierto orden. 
  3. que el apoyo al aprendizaje que ofrezca el profesor también sea equilibrado, que no se le de ni demasiada ni muy poca libertad a los alumnos.
  4. que el profesor conozca las herramientas TIC, tanto la de generación de materiales, como lo más básico que puede ser proyectar en un aula.
  5. que el profesor prevea unos criterios objetivos de evaluación de los proyectos en los que se tenga en cuenta la adquisición de habilidades y destrezas y no sólo la memorización de contenidos. 

La propuesta práctica en Historia.

Si habéis abierto la presentación (que también se puede descargar en Slideshare), habréis visto que se trata de ir desvelando una historia a través de una imagen artística, que poco a poco va apareciendo, en este caso de una pintura de una vasija griega. Lo que ha hecho el equipo educativo del museo bien lo puede hacer cualquier alumno con la herramienta de power point u otra similar.



En este caso, dejándola tal y como está, podría ser aplicada a la asignatura de Historia de 1º de la ESO (español, si  se traduce, o bilingüe, si se deja tal como está) o a la asignatura de Cultura Clásica, que también me ha tocado dar alguna vez. Subiendo el nivel de dificultad y de exigencia en los contendidos a investigar puede ser aplicable a la asignatura de Historia del Arte o cambiando la imagen por otro cuadro o fotografía adecuada a cada curso se puede hacer lo mismo en cualquier otro curso de Historia.

Objetivos y realización. El reto general para toda la clase podría ser, por ejemplo, que los alumnos indaguen en la sociedad, religión y vida cotidiana de los griegos a través de las representaciones pintadas en sus vasijas. El profesor orientaría a cada grupo sobre una temática más concreta (un mito, el panteón de dioses, los oficios, la vida de la mujer, los deportes, la guerra, los ritos religiosos...Temas habituales de las vasijas griegas con las que reconstruir la vida cotidiana de esta sociedad).

En este caso, la imagen narra sobre un ánfora griega una escena en el que un hoplita ateniense, armado para ir a la guerra, se despide  de su familia. Pintura de figuras rojas sobre fondo negro del 440 al 430 a. C. British Museum. Diapositiva explicativa número 7.


Pero, además, otro objetivo de este tipo de trabajo es que los alumnos aprendan a analizar en cada parte una escena y a interpretarla en el conjunto, una actividad que no es tan obvia para los estudiantes. Por eso entre las diapositivas 2 a 6 se va, en forma de juego, preguntando sobre personajes u acciones que aparecen individualizados para ir revelando poco a poco el tema de la pintura. El alumno que realizó el trabajo finalmente tendría que contarnos los aspectos fundamentales que demuestren conocimiento sobre lo representado (diapositiva 7 y exposición aclarativa sobre personajes y acciones).

Y, en tercer lugar, se pretende que una vez comprendida la escena se compare con otras similares de esta civilización como vemos en las diapositivas 8 a 11 o que se indague sobre cuestiones tangenciales a las imágenes como, por ejemplo, en este caso puede ser la guerra en Grecia, el ejército en Atenas o en Esparta, su forma de combatir, su composición y su equipamiento. O también podría ser sobre las diferencias artísticas entre las vasijas de figuras negras y de figuras rojas, al exponer otra imagen parecida como la que vemos abajo, en donde los colores de los fondos y de las figuras se cambian, además de tener detalles artísticos distintos. O se puede explicar la finalidad que tenían estas vasijas que se han encontrado siempre ligadas a las tumbas...



Presentación y evaluación. Si cada alumno o grupo de alumnos de un curso se enfrenta a uno de estos retos y se plantean de forma de misterio o de imagen oculta como aquí, se puede dedicar una sesión para exponer en común las presentaciones. Al  proyectar las presentaciones y plantear en las diapositivas iniciales una pregunta que exige una contestación, los alumnos que no han hecho el trabajo que en ese momento se expone no estarían pasivos ante la exposición sino que anotarían en su cuaderno o en una hoja las contestaciones a las preguntas que se plantean. Estas contestaciones permitirían al profesor evaluar el trabajo y conocimiento alcanzado por todos sobre la sociedad griega. Para hacerlo más divertido, se puede plantear un concurso por grupos donde cada grupo debe ir contestando y ganando puntos por respuestas acertadas.

El profesor además evaluaría el trabajo realizado por cada alumno o grupo de alumnos en relación con el uso de los medios informáticos, la exposición en la puesta en común, la búsqueda de información en cada una de las presentaciones, las relaciones e interpretaciones halladas...


Espero que estas reflexiones personales que he hecho para aclarar mi propio caos os sirvan de ayuda. Estoy abierto a sugerencias o aportaciones que se os ocurran sobre el tema. Espero vuestros comentarios.