martes, 30 de septiembre de 2014

LOS JÓVENES PINTORES ESPAÑOLES DE FINALES DEL SIGLO XIX Y LA PINTURA DE HISTORIA EN LA ACADEMIA ESPAÑOLA DE ROMA.

A lo largo del siglo XIX nuestros jóvenes artistas acudieron a Roma atraídos por el conocimiento de primera mano de los pintores italianos del Renacimiento y por una ciudad que mantenía todavía sus gloriosas ruinas romanas y un romántico aspecto entre medieval y renacentista. Durante mucho tiempo se consideró que la estancia en Roma era algo imprescindible para alcanzar la maestría personal y la madurez intelectual. Con el avance del siglo se fueron incrementando los viajes  gracias a la revolución de los transportes y al mecenazgo de ciertas instituciones, siendo habituales desde mediados. Paradigmas de jóvenes pintores españoles que se enamoraron de la ciudad en el tercer cuarto de siglo  fueron  Eduardo Rosales o Mariano Fortuny (que precisamente murió aquí en 1874). Ellos tienen en común estar a caballo  entre el academicismo realista y la estética de la pintura moderna.

Aunque  existían becas para los artistas desde el siglo XVIII por parte de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, será en 1873 cuando se cree la Academia Española en Roma, como extensión  para que los alumnos más aventajados pudieran alojarse, trabajar cómodamente y completar sus estudios pensionados (becados) en la ciudad eterna. En aquella fecha Roma había quedado como último refugio de un clasicismo academicista que iba en retirada. París, la otra ciudad de referencia para nuestros artistas, había tomado el relevo del mercado y de la vanguardia artística. No obstante, los jóvenes artistas que recibieron ese privilegio en el último cuarto de siglo supieron aprovechar la experiencia.

Vista de Roma desde el Gianiculo.



La sede de la Academia se encuentra desde 1881 en el monte Gianículo, en el antiguo convento de San Pietro in Montorio. Desde su fundación a nuestros días ha acogido a cientos de artistas e intelectuales de todo tipo, puesto que también se ha ampliado la beca a disciplinas como la música, la literatura, el cine, las artes escénicas o la fotografía.

El famoso templete de Bramanate de San Pietro in Montorio, en el interior del complejo de la Academia de España.




La pintura fue la disciplina a la que se dio más importancia tanto cuantitativa como cualitativamente.  En el periodo inicial (1873-1903), que podríamos decir fue la época de oro de la Institución, pasaron por el centro jóvenes promesas que no tardarían en triunfar como Pradilla, Pinazo, Plasencia, Viniegra, Moreno Carbonero, Muñoz Degrain, Vera, etc. El único de los grandes pintores realistas españoles de fin de siglo que faltó fue Joaquín Sorolla, aunque también pasó por Roma e Italia (1885-89), pensionado por la Diputación Provincial de Valencia.

El trabajo de un pintor pensionado en Roma.

La tarea de un pensionado comprendía, durante los tres o cuatro años que pasaban en Roma, en realizar estudios de figura, copias y cuadros de composición que se mandaban a Madrid  para ser evaluados y para conservar la subvención. Estas obras son la más genuina contribución española al academicismo internacional. No debemos considerarlas simples ejercicios de formación, dado el nivel de exigencia técnica que se pedía a los artistas para realizar el viaje.
  1. El trabajo final del primer año consistía en la ejecución de un cuadro en que entrasen una o dos figuras, por lo general desnudas. Estos cuadros tiene importancia porque son de los pocos desnudos de pintura española de la época que se realizaron. El tratamiento sensual de algunas de las obras difícilmente se hubiese podido conseguir en España.
Salvador Viniegra. El primer beso, 1891. Ejemplo de trabajo de primer año y de desnudo. Nótese el parecido del modelo humano masculino y de la pose de Adán con el fresco de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.




  1. El segundo año tenía que culminar con la "copia de un cuadro de maestro antiguo o de un fragmento importante de algún fresco o pintura de grandes dimensiones, procurando que dicha copia sea de autor ilustre, cuyas mejores obras no pueden estudiarse en nuestro Museo Nacional". Evidentemente, los cuadros escogidos eran los de los grandes autores italianos del Renacimiento: Miguel Ángel, Rafael, Carpaccio, Mantegna, Tiziano..., que permitieron a muchos artistas perfeccionarse.
  2. El tercero y cuarto año debían ejecutar un boceto y un gran cuadro final de historia, que era la culminación de su pensionado. El objetivo de todos los pensionados era realizar la obra que les diese fama y reconocimiento público de por vida. La obra pasaba obligatoriamente a los fondos del Ministerio de Asuntos Exteriores del que dependía y del que sigue dependiendo la Academia. El formato era muy grande, por lo que habitualmente sólo podían servir para decorar amplias salas de edificios oficiales.
Alejo Vera. Numancia. Cuadro de dimensiones espectaculares 3,35 x 5,00 mts


Además de estas obras los becados realizaban otras muchas obras para financiar su estancia o regalar a sus amistades. También puede anotarse en el haber de esta institución los cuadros realizados por sus profesores y directores en la ciudad, todos ellos de mucho prestigio. Precisamente, José Casado Alisal, director desde 1873, pintó en Roma una de las obras capitales de su producción, La campana de Huesca (1880), y Francisco Pradilla terminó La Rendición de Granada desde este cargo en 1882. También fueron directores en esta época Vicente Palmarolli y Alejo Vera.

José Casado Alisal, La Campana de Huesca, 1880.




La producción de los becados de la Academia.

En gran medida, el género del desnudo y la última fase del género histórico en España van ligados a la historia de la Academia de España en Roma, dado los temas impuestos para renovar la beca o para alcanzar el "doctorado". Veamos en el siguiente Slide los trabajos originales más sobresalientes de los becados y de sus profesores durante su estancia en Roma. Omitimos las copias de las pinturas italianas, los paisajes y las obras menores; también, por supuesto, aquellas de las que no hemos podido conseguir imagen. Tras el Slide se puede consultar la nómina de las obras tal y como salen en la presentación. Están ordenadas por orden cronológico. Nótese la evolución temática y de estilo de los últimos diez años, muy distinta de las de los veinte primeros.

  1. - Casto Plasencia: Motivo decorativo (Venus y Cupido), 1876 (trabajo de primer año).
  2. - Francisco Pradilla: Náufragos, 1876 (trabajo de primer año).
  3. - Casto Plasencia: El origen de la República romana,  1877.
  4. - Francisco Pradilla: Doña Juana La Loca, 1878.
  5. - Ignacio Pinazo: Las Hijas del Cid, 1879 (trabajo de primer año).
  6. - Alejo Vera: Numancia, 1880.
  7. - Manuel Ramírez Benítez: Baño Pompeyano, 1880 (trabajo de primer año)
  8. - José Casado Alisal: La campana de Huesca (siendo director de la Academia hasta 1881)
  9. - José Moreno Carbonero: La meta sudante, 1882 (trabajo de primer año).
  10. - Francisco Pradilla: La rendición de Granada, 1878-82  (siendo director de la Academia 1881-82).
  11. - José Moreno Carbonero: La conversión del duque de Gandía, 1884.
  12. - Antonio Muñoz Degrain: Los amantes de Teruel, 1884.
  13. - Ulpiano Checa: Numa y la ninfa Egeria, 1885 (trabajo del primer año).
  14. - Ulpiano Checa: La invasión de los bárbaros, 1887 (desparecido, quedan bocetos).
  15. - Emilio Sala: Expulsión de los judíos de España, 1889 (boceto en Roma y terminado en París).
  16. - Eugenio Álvarez Dumont: La muerte de Adonis, 1889 (trabajo de primer año).
  17. - Enrique Simonet: ¡Y tenía corazón!, 1890 (trabajo del primer año).
  18. - Eugenio Álvarez Dumont: Trafalgar, La muerte de Churruca, 1891.
  19. - Salvador Viniegra: El primer beso, 1891 (trabajo del primer año).
  20. - José Garnelo: Primeros homenajes a Colón en el nuevo mundo, 1892.
  21. - Enrique Simonet: Flevit super illam, 1892.
  22. - Salvador Viniegra: El compromiso de Caspe, 1892.
  23. - Joaquín Bárbara Balza: Náufragos, 1896 (trabajo del primer año).
  24. - Manuel Benedito: Infancia de Baco, 1901 (trabajo del primer año).
  25. - Eduardo Chicharro: Reinaldo en el bosque encantado, 1903.
  26. - Manuel Benedito: El infierno, 1903.

ARQUITECTURA GÓTICA INGLESA. CARACTERÍSTICAS, ETAPAS Y PRINCIPALES EDIFICIOS.

Gran Bretaña será, junto con Italia, una de las regiones que seguirá una evolución independiente en la arquitectura gótica, una vez recibidas las primeras novedades de Francia. En la siguiente presentación puedes comprobar su originalidad  y los principales edificios que se levantaron en esta época.



Arquitectura entre el románico y el gótico
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La crucería ojival se introdujo muy pronto en Inglaterra (a finales del siglo XI o comienzos del siglo XII), mucho antes de que fuera adoptada por el gótico francés, como influencia de las iglesias románicas normandas. Las catedrales de Durham, Peterborough y Winchester son buenos ejemplos de edificios que se cubrieron con bóvedas de crucería en sus naves laterales o centrales pero que mantuvieron el resto de su apariencia románica.

Catedral románica de Durham (1093-1133) con bóvedas de crucería. El ventanal del fondo ya es gótico.



Los cistercienses llevaron la arquitectura gótica borgoñona a las abadías de FountainsRocheKirkstall; pero sin tanto respeto por las tradiciones de su orden como en las demás partes de Europa.
Abadía de Fountains. Ruinas de la iglesia y del monasterio.



Para encontrar una verdadera iglesia gótica, aunque de tipología primitiva, hay que esperar a la reconstrucción  de la cabecera de la catedral de Canterbury en 1175. El arquitecto, Guillermo de Sens, tomó como modelo la de su ciudad de origen en Francia incluyendo ya bóvedas sexpartitas, triforio en vez de tribuna, altos arcos puntiagudos y arbotantes. La catedral se completó en el siglo XIV.

Cabecera de la catedral de Canterbury.



El gótico pleno o decorativo.

A lo largo del siglo XIII el gótico se fue imponiendo y los edificios ingleses fueron adquiriendo características originales que les distanciaron de los modelos franceses iniciales:
  1. Cabecera plana sin girola en el que se abría un gran ventanal.
  2. Doble transepto, el primero mayor que el segundo.
  3. Plantas alargadísimas, reservando para el clero un espacio amplio.
  4. Bóvedas no muy elevadas, pero de gran riqueza decorativa con complicadas nervaduras (terceletes) que dan paso a mediados del siglo XIV a las bóvedas de abanico.
  5. Las fachadas principales se decoran casi de arriba a abajo con pisos de arcadas ciegas y esculturas en hornacinas. En cambio las portadas de accesoson reducidas y sin decoración escultórica. Las torres que la flaquean suelen ser de menor altura que el cimborrio y sobresalen del ancho del edificio (fachada pantalla).
Distintas imágenes de la catedral de Salisbury, modelo del gótico inglés.



La catedral paradigmática es la de Salisbury, cuyas obras comenzaron en 1220 y acabaron en 1265. La aguja del cimborrio se acabó en el siglo XIV. Otras catedrales características de la época son  las de Westminster y Wells, así como los cruceros de York, la nave y la sala capitular de Lincoln, el coro y los cruceros de Ely y el coro de Worcester.

El gótico perpendicular y Tudor

Desde mediados  del siglo XIV y hasta completar el siglo XVI se habla de un estilo perpendicular o Tudor, más sencillo en las fachadas y, sin embargo, más complejo en los interiores:
  1. Bóvedas de abanicos con muchas más nervaduras combadas e incluso claves colgantes de gran efecto decorativo, que nos pueden recordar los alveolos de los panales o los élitros de los insectos.
  2. Inmensos vanos acristalados, en ocasiones tan anchos como altos, en los que se superponen geométricamente travesaños rectangulares.
  3. Uso del arco tudor, una arco apuntado achatado.
Capilla del King´s College de Cambridge. Paradigma del estilo perpendicular.



Este estilo se aprecia en el claustro de la catedral de Gloucester, pero sobre todo en las capillas de patronazgo real creadas en las universidades: la sala del Divinity College de Oxford, la del King´s College de Cambridge. También es impresionante en este estilo la capilla de Enrique VII en Westminster, verdadera jaula, calada por completo y rigurosamente rectilínea.

Capilla de Enrique VII en Westminster. Bóvedas.



El estilo neogótico inglés desde el siglo XVIII.

VOCABULARIO DE ARQUITECTURA MEDIEVAL. UN QUIZ PARA PONERSE A PRUEBA.

De nuevo recurro al Quiz para poneos a prueba acerca de lo que deberíais haber aprendido ya. Esta vez pregunto sobre vocabulario arquitectónico aplicado a los estilos de la Edad Media cristiana. Son 30 preguntas sobre términos utilizados desde los primeros temas del curso, en alguna ocasión,  aunque los hay también específicos del arte Bizantino, del Prerrománico, del Románico o del Gótico.

Las preguntas saldrán aleatoriamente, por lo que si volvéis otra vez a consultar este artículo, el orden de preguntas habrá variado. Esto es útil si no hemos obtenido una buena puntuación (27 sobre 30) y decidimos volver a intentarlo para rectificar nuestros errores con lo que hemos aprendido.



Espero que os haya sido útil para refrescar conocimientos.

Para aquellos que no conozcan esta herramienta didáctica y les parezca útil o para aquellos que quieran seguir poniéndose a prueba os dejo los enlaces de otros Quiz . En ellos podréis ver otras posibilidades de pregunta y algunos consejos sobre su utilización.
  1. Pablo Picasso. Vida y obra.
  2. La Bauhaus. Otra forma de aplicar quiz con imágenes y video.
  3. El Arte Prehistórico.

EL TAPIZ DE BAYEUX. UNA NOVELA JUVENIL APLICABLE A LAS ASIGNATURAS DE HISTORIA DE 2º DE LA ESO Y DE HISTORIA DEL ARTE DE 2º DE BACHILLERATO.

La novela puede ser otro recurso complementario para la asignatura de Historia del Arte. Recalco la palabra "complementario" porque, pese a ser útil, reconozco que no es el recurso ideal para nuestra materia. La literatura puede ser un vehículo eficaz para recrear un ambiente artístico, una biografía o la historia de una obra, pero no suple el poder de la contemplación de la imagen. Por otro lado, el gran inconveniente para usar este recurso es el amplísimo temario que hay que dar y el escaso tiempo que tenemos para impartirlo.

Pese a todo lo dicho, y ante la insistencia de la inspección educativa en que fomentemos la lectura en nuestros alumnos desde todas las asignaturas, me permito recomendar este libro para justo el  momento de curso en el que estamos.



Ficha bibliográfica.
Autor: Fernando Martínez Laínez
Título: El tapiz de Bayeux
Género: novela juvenil de temática policiaca.
Datos de edición: Ed. Planeta /Oxford, 2001. Colección Nautilus.
Virtudes de la novela.
  • 1.- Está bien escrita y resulta amena. Su autor es un periodista veterano -con mucho oficio-, especializado en novela negra, pero también en libros de viajes y en ensayos de Historia de España. Su último éxito es Como lobos hambrientos (2007), un libro sobre los guerrilleros de la Guerra de la Independencia. El tema de esta novela resultará atractivo al alumno puesto que teniendo como centro el famoso tapiz de la ciudad francesa se tramará una historia de asesinatos y misterios que el protagonista, casualmente escritor de novela negra, se encargará de resolver.
  • 2.- Es breve. Lo que casi siempre agradece el alumno. El relato no llega a las 150 páginas y se puede leer de una sentada. Es sencilla: la misma editorial lo recomienda a partir de los 12 años. Posiblemente  haya obras más completas y recomendables con trasfondo artístico que ilustren algún periodo medieval como El nombre de la Rosa de Umberto Eco; La Tabla de Flandes de Arturo Pérez Reverte; La catedral del mar de Ildefonso Falcones; o Los pilares de la Tierra de Ken Follett... Pero en este caso me inclino por el refrán: "si bueno y breve, dos veces bueno".
Escena y parte de la 2ª del Tapiz Bayeux. El rey Eduardo encarga a Harold que avise a Guillermo de Normandía de que será su sucesor. Partida de Harold.



  • 3.- Es muy versátil para el profesor de Sociales. Puede ser aplicado como lectura en 2º de la ESO, que es como lo enfocan la editorial y otros profesores que lo han utilizado. Sirve para comprender las relaciones feudales en la Edad Media y el episodio de la conquista de Inglaterra por los normandos en el siglo XI (1064-66), el tema del tapiz. Mi propuesta es aplicarlo a la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bachillerato como instrumento para profundizar en las artes figurativas románicas tomando como partida este bordado de finales del siglo XI. Indirectamente también se podría tocar de pasada la catedral gótica, puesto que en el libro se describe una visita a la de la ciudad.
Páginas relacionadas.

- Propuesta de lectura de  EDU365.cat con cuestionario de tipo test para autoevaluar la comprensión lectora.
- La editorial Planeta&Oxford pone a disposición del profesor una Guía de lectura orientada a la asignatura de Lengua (PDF descargable).
- Estudio sobre el tapiz en la WiKipedia.
Escena 38ª del Tapiz Bayeux. Las tropas normandas atraviesan el Canal de la Mancha y desembarcan en Inglaterra (Pevensey).



Otras novelas utilizadas para la animación a la lectura en Historia del Arte

LA ARQUITECTURA GÓTICA FRANCESA (DEL SIGLO XII AL SIGLO XV). DEL CÍSTER, PASANDO POR LAS CATEDRALES Y HASTA LOS EDIFICIOS CIVILES.

La arquitectura gótica nace en Francia en el siglo XII como reacción doble contra el románico: por una parte, como reacción de la reforma monástica del Císter contra los excesos de la orden del Cluny y, por otra, como deseo de obispos y reyes franceses de encontrar una expresión peculiar del poder monárquico y de las ciudades frente al clero cluniaciense y a la nobleza feudal. Así pues, arquitectura monacal cisterciense y gótico ciudadano utilizan elementos  y objetivos comunes en su creación conjunta de un nuevo estilo, aunque difieren en sus destinatarios y en sus realizaciones finales.


El goticio cisterciense.

El Císter pretendía una vida ascética y austera para los monjes. En arquitectura eso se traduce en obras simples en lo formal, reduciendo las construcciones prácticamente a la estructura sin sofisticaciones visuales:
  • Plantas sencillas.
  • Simplificación de los soportes.
  • Altura moderada.
  • Capiteles lisos o vegetales simples, alejados de la fantasía románica.
  • Ventanales sin vidrieras.
Pero también introducen las últimas novedades constructivas como el arco apuntado y la bóveda de crucería, por lo que sus monasterios constituyen los ejemplares más perfectos de la transición del románico al gótico.

Iglesia de la Abadía de Fontenay, Borgoña.




Los monasterios franceses más llamativos de este siglo XII son el de Fontenay y Senanque. Más información sobre gótico cisterciense este otro artículo de este blog.

Los orígenes ciudadanos del gótico.

La Isla de Francia y Normandía se disputan la creación de la bóveda de crucería, elemento esencial de la arquitectura gótica, pero es en los alrededores de París donde se utilizará sistemáticamente ésta desde mediados del siglo XII.

El primer gran monumento es la abadía de Saint-Denis (a partir de 1132), construida bajo la dirección del abad Suger, consejero del rey Luis VI. Hay una intención política en hacer triunfar esta nueva arquitectura como una expresión peculiar del poder real, frente al influyente clero cluniacense y a la nobleza feudal. Esto explica que todas las primeras grandes catedrales francesas se construyan en los dominios de los Capetos. A diferencia del Císter la iglesia de Saint- Denis no busca la sencillez, sino la grandiosidad y el ornato, la creación del escenario ideal para la consagración y el enterramiento de los reyes de Francia. Sólo  se conserva de los tiempos de Suger la fachada y el deambulatorio con sus capillas radiales.

Deambulatorio de Saint-Denis. Columnas como soportes y bóvedas de crucería, 1144. Sepulcros reales.




Poco después se construyen las catedrales de Sens (1137), Noyon (1152) y  Laon (1156-60) que inspiran al arquitecto de Notre Dame de París (1163). En ellas se busca la mayor elevación y la mejor iluminación a través del sistema de la bóveda sexpartita. La de París ha sufrido notables transformaciones en siglos posteriores, pero aún conserva la fachada principal, comenzada en 1200, que va a ser el modelo de muchas otras.

El gótico clásico. El siglo XIII.

A finales del siglo XII  (1194) se comenzaba la reconstrucción de la catedral de Chartres, de la que ya hemos hablado en otro artículo. Su principal aportación consistió en la eliminación de las tribunas sobre las naves laterales, gracias a la utilización de los arbotantes, lo que permitió además la construcción de bóvedas de crucería simple.

Catedral de Amiens. Interior. Impresión de altura (43 metros).




Este es el punto de partida para las catedrales construidas en el siglo XIII como Reims (1211), Amiens (1220) y Beauvais (1227). El resultado son espectaculares interiores por su ingravidez, regularidad e iluminación. Los arquitectos se afanan en una carrera por ganar altura: apuntan fuertemente los arcos y consiguen que los ventanales acentúen su altura por la desproporción respecto a su ancho. Los interiores se llenan de luz coloreada mágica proveniente de las vidrieras y de los rosetones.

Catedral de Reims. Contrafuertes con hornacinas y pináculos.




Las catedrales tienen también sus encantos en el exterior. Los arbotantes y contrafuertes en vez de afear los edificios les dan pujanza e incluso sirven para concentrar en ellos elementos decorativos como pináculos, gárgolas y hornacinas con esculturas. Las fachadas se llena de esculturas y elementos arquitectónicos: tres pórticos rematados por gabletes cobijan firmamentos de ángeles, santos y visiones divinas; más arriba tropezamos con el rosetón y con las galerías de hornacinas y de arquerías y con las torres.

Detalle de la fachada principal de la catedral de Amiens.




Hacia mediados de siglo se levanta La Santa Capilla de París, capilla del antiguo Palacio Real, uno de los ejemplos más característicos de la arquitectura gótica. Es un modelo perfecto del arte gótico más refinado (el radiante), con un cerramiento formado exclusivamente por columnillas muy ligeras y vidrieras que dotan al interior de un ambiente irreal.

Santa Capilla de París.




Los siglos XIV y XV.

Las obras realizadas en la primera mitad del siglo XIV consisten más bien en remates y capillas accesorias de las grandes catedrales levantadas anteriormente o en edificios de menor entidad. A mediados de siglo la Peste Negra sume a Europa en una crisis profunda, que se agrava en Francia por la Guerra de los Cien Años.


En este contexto bélico y defensivo cobra importancia la arquitectura civil y militar. Ya había precedentes en el siglo XIII con el amurallamiento que hizo la monarquía de la ciudad de Carcasona para asegurar la posesión del Languedoc, recién conquistado.

Palacio-castillo de los Papas en Avignon.



En 1335 el papa Benedicto XII comenzó el grandioso castillo de los Papas de Avignon, palacio y fortaleza al mismo tiempo, que Clemente VI acabó a partir de 1346.

En el siglo XV la transformación más profunda afectó a la decoración con la aparición de los arcos conopiales y los gabletes flameados en las ventanas. Desde mediados del siglo XV hasta comienzos del XVI asistimos a una de las etapas de mayor actividad arquitectónica de Francia, que tiene que rehacer las destrucciones de la Guerra.
  • Se terminaron o se embellecieron las catedrales: el crucero inacabado de Sens; la cabecera de la catedral de Beauvais; los campanarios de Chartres y Rouen...
  • Los castillos, aunque conservaban formas del pasado como los torreones y las barbacanas, tienden a convertirse en residencias destinadas a la vida placentera.
  • Las ciudades se monumentalizan con viviendas de sus familias más ilustres (hôtel). La más bella de estas mansiones conservadas es la que Jacques Coeur se hizo construir en Bourges en 1443. También se crean ayuntamientos, mercados cubiertos y universidades. Destaca el conjunto de la ciudad de Rouen, reconstruido tras la II Guerra Mundial.
Casa-mansión de Jacques Couer en Bourges.



- Arquitectura gótica española hasta el siglos XIV.

IMÁGENES DE ARTE BIZANTINO Y DE ARTE ANDALUSÍ PARA COMENTAR.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE DE AL ANDALUS Y DE BIZANCIO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.
Mi intención es que a través del juego:
1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien
jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.


Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.


Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)
1.- Titulo de la obra o descripción precisa.
2.- Civilización. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)


Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.




Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva. Las condiciones de participación son las mismas, por lo que sólo podrán contestar aquellos que no hayan utilizado su oportunidad en cada artículo.
Mesopotamia y Persia.
Egipto.
Prehelénico y Grecia.
Roma.
Románico.
Gótico.

IMÁGENES YA DESVELADAS
Empieza el juego.

Lorena (0,1) ha contestado a la imagen 7 y esto es lo que ha dicho sobre ella.



"- Patio de los Leones de la Alhambra (Granada)
- Civilización musulmana de la etapa nazarí (S. XIV- XV)
- Los arcos que se muestran en la imagen son del tipo polilobulados, típico de este arte
- Es un edificio residencial del soberano, porque este patio era el privado del anteriormente nombrado
."
El comentario resulta algo corto y con algún error. La doy por válida como regalo de Reyes y porque contiene otros elementos ciertos.
Es el Patio de los Leones de la Alhambra de Granada, pero lo que vemos es un detalle de la columnata del pórtico que lo rodea. Estas columnas son las protagonistas de la imagen y además son originales de este edificio, por lo que habría que haberlas comentado: fuste estilizado; collarino con varias molduras; equino doble, una parte cilíndrica y otra cúbica, con motivos de cintas y atauriques...  Lo que tú llamas arco polilobulado son moçárabes, que cuelgan a modo de estalactitas de otro motivo decorativo calado que es el paño de sebka. Por cierto, la vegetación también tiene una función en estos edificios. Recuerda es un edificio para disfrutarlo a través de todos los sentidos.
Imprecisión: ¿Qué es un edificio residencial del soberano?... un palacio. ¿Cómo se llama a la parte privada de estos palacios?... Harém.
Tienes una segunda oportunidad. Haz el comentario con más reposo.
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Francisco Javier (0,2) ha contestado a la imagen 1 con las siguientes palabras:



"Titulo de la obra o descripción: no es una obra concreta, sino un conjunto de mosaicos de la Iglesia de San Marcos en Venecia.
Civilización o etapa cronológica: estamos ante una de las obras del arte bizantino, perteneciente por lo tanto a esta civilización. Calculamos que los mosaicos datan del siglo X, cuando la catedral fue reconstruida después de ser destruida.
Razones que podríamos dar para clasificar a esta obra como bizantina serian:
- La abundancia de colores dorados y ocres predominantes en todas las obras.
- Otra de las razones podría ser uno de los elementos arquitectónicos que se nos desvelan en la imagen. Este elemento son las pechinas, que aunque lo romanos fueron los que empezaron a desarrollarlas, el arte bizantino las supo utilizar al máximo en casi todas sus iglesias.
- Otros rasgos a destacar los podemos ver si nos fijamos en la imagen. Así vemos la isocefalia –disposición de las cabezas a una misma altura- , la total frontalidad o como los personajes no tiene una base sobre la que apoyarse, por lo que parece que están flotando."
De acuerdo, aunque matizaría algunas cosas. En primer lugar, la cronología de la iglesia es del siglo XI y no del X como tú dices, aunque es copia de la iglesia de los Santos Apóstoles de Constantinopla, ya desaparecida, de la época de Justiniano (siglo VI). Por eso, entre oras cosas, podemos considerar como bizantina a esta obra hecha en Venecia siglos después de que el territorio ya no perteneciera al Imperio Bizantino. En cuanto a los mosaicos: se niega la profundidad con fondos dorados que tienen un carácter simbólico religioso (presencia de la divinidad).
Tienes una segunda oportunidad.
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Borja (0,3) ha resuelto la imagen 6 con estas palabras.



"Marfil Barberini . Pertenece dentro del arte bizantino a las artes figurativas. Es un relieve en marfil que intenta resaltar el momento de esplendor del emperador Justiniano. Sus dimensiones aproximadas son de 34,2 x 26,8 x 2,8 cm .Profundizando aún más vemos como el emperador está sobre un caballo. Bajo la figura del emperador vemos como aparecen una serie de figuras alegóricas que ofrecen una serie de frutos al emperador. Arriba encontramos la figura de la victoria alada y a la izquierda un bárbaro junto a la lanza imperial del emperador."
Como he sido generoso con Lorena ahora me toca serlo contigo. Reconoces la obra (he corregido una "e" por una "a") y la describes, pero no sabes  decir razones completas para atribuirla a Bizancio. Te voy a poner ejemplos de cosas que podían decirse como argumentos sólo estirando lo que dices en tu descripción:
  1. El emperador a caballo, ecuestre, es una representación típica de los emperadores romanos, cosa que es lógica en una obra que se dataría en la primera mitad del siglo VI (apenas desaparecido el  Imperio Romano de Occidente).
  2. Todavía hay referencias paganas "la victoria alada", que tú identificas, junto con referencias cristianas: un Cristo imberbe joven con su cruz dentro de una mandorla sostenida por ángeles. Dos argumentos más para datar la obra a comienzos del Imperio Bizantino.
  3. La obra formaría parte de un díptico consular y en ella se exalta la figura del emperador (monarquía absoluta y por derecho divino) al que se representa vencedor de sus enemigos, que le tributan abajo (jerarquía de tamaños) y que es bendecido por Cristo arriba.
Tienes una segunda oportunidad.
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Borja solucionó con su comodín otra imagen, la imagen número 4.



"La imagen número 4 pertenece a la Aljafería del palacio de Beni Hud (Zaragoza).Data del siglo XI y fue construido por los reyes taifas concretamente los Banu Hud. Como elementos arquitectónicos más importantes debemos destacar la utilización de arcos mixtilíneos (como elemento sostenido), como elementos decorativos se utiliza principalmente el ataurique ( decoración en yeso con forma vegetal).
Si nos adentramos más vemos como la foto pertenece a las estancias del lado norte del palacio (lugar más importante del palacio ya que incluyo la sala del trono y la pequeña mezquita de carácter privado). Los capiteles de las columnas estaban hechos principalmente de alabastro salvo algunas hechas de mármol. Pretende emular el lujo de los palacios califales, pero al no disponer de los medios económicos necesarios se consigue el efecto de fastuosidad con elementos decorativos barrocos
."
Nada  que objetar esta vez. Perfecto. Te has ganado los (0,4). Por añadir algo más a tu comentario, fundamentalmente porque se ven en primer plano, destacaría  los arcos polilobulados y los arcos túmidos de las puertas. También haría notar la utilización tan andalusí de entrecruzar los arcos que se ve al fondo.
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Silvia ha respondido con mucha propiedad a la imagen 8.



"Vista desde la macsura de la mezquita de Córdoba que conduce al mihrab.
Pertenece a la época de la Córdoba califal, concretamente a la ampliación de al-Hakam II (962-966) quien realizó este espacio. También se aprecia la gran cúpula que remata la macsura, ricamente decorada como es propio de este arte. En la bóveda esférica encontramos nervaduras entrecruzadas que forman una estrella de ocho puntas, cuyo centro se corona por una cúpula plana. Los mosaicos de alta calidad que decoran la cúpula en su totalidad fueron realizados por maestros de Constantinopla. Otra de las características esenciales para reconocer la obra son las dobles arquerías de arcos polilobulados, que hacen dirigir la mirada hacia la fachada del mihrab
."
Buen comentario, aunque discrepo sobre lo de la ¿"cúpula plana"...? Es una cúpula gallonada (de gajos).
Como este juego tiene la finalidad de aprender a comentar imágenes de arte. Os  matizo algunas cosas que no deberían quedar en el aire en un comentario en serio de un examen.  A lo dicho por Silvia habría añadido alguna cosa que me parece importante. Por un lado, habría insistido en explicar qué es el mihrab / la quibla y la macsura dentro de una mezquita y porqué sabemos que estamos ante este conjunto de la mezquita de Córdoba. Por otro lado, al comentar los elementos decorativos, además de los de la macsura (cúpula y arcos), habría dado prioridad a los elementos decorativos del Mihrab (que es la parte que centra la imagen y, por tanto, la que con más intención está puesta por el que la pregunta para un comentario): arco de herradura califal, dovelas con mosaicos de ataurique, alfiz con decoración epigráfica...
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Lorena  (0,6) ha aprovecho su comodín al resolver la imagen 3.



"Imagen 3 que pertenece al artesonado de la Alhambra en Granada.
la civilización que lo hizo fueron los musulmanes en periodo nazarí (s.XIV)
Este artesonado está hecho en madera para que el techo estuviera decorado. Tiene de particular de que sus formas son geométricas, ya que se ha utilizado la estrella y los lazos para unir ambos, típico de este arte. También tiene escudos (característica heráldica).
Se ha usado la policromía, para dar más belleza al techo de la habitación"
Sencillo, pero efectivo, porque la imagen no daba tampoco para mucho más. Lo que no veo son los escudos, más bien son atauriques.
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Alba García, lo siento,  no puedo darte por acertada la imagen 9. Hay elementos ciertos en tu comentario pero ni el título/ tema ni la cronología están acertadas: la imagen no está bien descrita o identificado el tema, no es sólo un Pantocrátor y la cronología tampoco está hallada ¿qué es la etapa arcaica del Imperio bizantino? (eso me suena a invención). Estaba regalando mucho por eso de hacer de Rey Mago y de que estamos de Rebajas, pero esta contestación no es suficiente.
Casualmente Francisco Javier (0,7) ha resuelto la misma imagen con su comodín en el momento en el que todavía no estaban publicados los comentarios y, aunque el suyo ha sido posterior al de Alba, es correcto y completo y, por tanto, debo darle el acierto.



No obstante, publico los dos.
Alba."Se trata de un Cristo pantocrator perteneciente a la etapa arcaica del Imperio Bizantino.
Sus características mas destacables son la jerarquía de tamaño y de ubicación entre el Cristo y quienes le acompañan y también el hieratismo o inexpresividad en el rostro del Cristo.
"
Francisco Javier."Titulo o descripción: no tiene un título determinado, si no que podríamos describir la imagen en una frase: Cristo recibe presentes del emperador Constantino Monómaco y su esposa.
Civilización. Etapa cronológica: estamos ante el mosaico, perteneciente al arte bizantino, de la tribuna sur de Santa Sofía de Constantinopla realizado entre los años 1028 y 1042. Podríamos decir que esta obra esta a caballo entre la primera y segunda edad de oro. A la primera, porque la iglesia de Santa Sofía fue construida en esta etapa, y de la segunda edad de oro porque los siglos de los que data la obra están ya dentro de la segunda edad. Pero relacionándolo con la construcción de la iglesia, me decantaría más por la primera edad de oro.
Razones: las razones que podemos dar son las siguientes.
- Por una parte la temática religiosa, mezclada con la temática cesaropapista. La temática cesaropapista era una forma de realzar el poder del Emperador, representando su figura cercana a escenas religiosas o, como vemos aquí, incluso cerca del propio Cristo, que, por la posición de su mano, nos indica que esta en posición de Pantocrátor.
- Otra razón que podemos dar, es nuevamente, la utilización de colores dorados y ocres, que niegan la profundidad y simbolizan la presencia de divinidad en la obra. Otro color a destacar seria aquí el azul, que también indica la presencia de divinidad que “empapa” de santidad lo que tiene a su alrededor, en este caso a los emperadores.
- Otra razón clara es la isocefalia entre emperadores. Sin embargo no pasa lo mismo con el Cristo. Esta es otra característica del arte bizantino. Colocar en una posición más elevada los personajes más divinos o de mayor importancia, creando una ley de jerarquización.
Podríamos comentar mas aspectos de la obra como la rigidez, el hieratismo y la inexpresividad de los rostros, o la frontalidad, pero creo que basta con mencionarlos."
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Enrique ha comentado la Imagen número 5
"pertenece a un capitel de la Basilica de Santa Sofia en Estambul. (537) Es una tronco-pirámide invertida trepanada, de decoración vegetal y geometrizada. Es una abstracción del capital corintio, viendo hojas de acanto totalmente abstraídas, con ausencia total de forma o de figura. Encima del capitel está el cimacio, entre el arranque del arco y el capitel, que es una zapata que nos recuerda los antiguos entablamentos clásicos. En el cimacio aparecen dos animales enfrentados y un elemento central, una cruz."



Este capitel no tiene cimacio: el arco parte directamente del mismo. En la decoración trepanada podemos ver pequeñas volutas, hojas de acanto y un crismón o acróstico de la palabra Cristo en griego. El capitel al que tú te refieres tal vez sea éste otro de San Vital de Rávena con cimacio decorado con dos caballos u ovejas enfrentados y conuna cruz en medio.



LA BACANAL DE TIZIANO. COMENTARIO TEMÁTICO Y ARTÍSTICO DEL CUADRO. LA MITOLOGÍA EN EL RENACIMIENTO. TRANSCENDENCIA DEL PINTOR.


FICHA TÉCNICA.

  • Autor. Tiziano Vecelllio, (1488-1576)
  • Título. La Bacanal de los andrios.
  • Dimensiones y soporte. Óleo sobre lienzo. 1,75 x 1,93 mts.
  • Fecha y estilo. Hacia 1523-1526. Cinquecento y primer manierismo
  • Mecenas que lo encarga. Pintado para Alfonso I  D´Este para el llamado “Camerino o studio de alabastro” de su palacio en Ferrara.
  • Localización actual e historia del cuadro: Museo del Prado. Perteneció a la colección de Felipe IV desde 1637, en que lo recibió junto con  La ofrenda a la diosa Venus del mismo autor (1518) como regalo del cardenal Niccolo Ludovisi.


COMENTARIO DE LA OBRA.


Este óleo sobre lienzo es un buen ejemplo de pintura renacentista de la etapa del Cinquecento con reflejos  manieristas y del estilo de pintura veneciana del siglo XVI, en concreto del pintor Tiziano Vecellio.

La temática mitológica y el mecenazgo de la aristocracia italiana.

Representa una escena mitológica, lo que ya era frecuente para muchos pintores desde la segunda mitad del siglo XV. La mitología era uno de los temas preferidos por la aristocracia para decorar sus palacios, en concreto éste lo encargó Alfonso D´Este para su estudio o lugar de lectura y recreo. La Bacanal es la fiesta en honor al dios Dionisos/Baco, que contemporalizada en el siglo XVI constituye un canto a los placeres de la vida. Tal obra escandalizaría a la Iglesia Católica, pero no a una clase aristocrática ilustrada, amante de las fiestas y encantada de recuperar los temas de la Antigüedad Clásica. Además de los temas festivo y mitológico hay un deseo explícito de mostrar la belleza del desnudo femenino en actitud erótica.

La escena  está inspirada en el texto de Filóstrato de cuadros famosos de la Antigüedad (Imagines I, 25), un escritor griego del siglo III d. C.  Representa a Ariadna en el momento en el que al despertar descubre que ha sido abandonada en la isla de Naxos por Teseo, que se aleja en un velero. La ninfa no tendrá tiempo de reaccionar puesto que se ve sorprendida  por la llegada de los habitantes de Andros, que forman el cortejo de Dionisio, que beben y bailan junto a ella. Esta escena precede a la del enamoramiento de Dionisio, reflejado en otro cuadro del mismo pintor, Baco y Ariadna que se conserva en la National Gallery de Londres. Estos dos  junto con La ofrenda a Venus, del mismo Tiziano en el Museo del Prado y La fiesta de los dioses de G. Bellini, de la National Gallery de Washington decoraban el Studio de Alfonso I D´Este en Ferrara.
Si quieres ver estos cuadros con detenimiento pausa la presentación de Slide.




Los bacantes son los verdaderos protagonistas del cuadro. En el centro dos muchachas con vestidos contemporáneos  se embriagan después de haber acompañado con sus flautas una melodía cuyo texto aparece en una nota  en el suelo: "Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber". Un torbellino de faunos revolotean sirviendo y bebiendo. Otro grupo baila, la mujer de en medio muestra sensualmente una pierna desnuda como una ménade de Skopas. La exaltación del vino se muestra en una jarra de cristal llena de este elemento que se recorta contra el cielo blanquecino. El resultado de todo este desenfreno lo podemos ver en el sileno derrumbado por la bebida del fondo.





Otra interpretación temática a través de la audioguía del Museo del Prado. Utiliza la presentación que he puesto debajo puesto que podrás ver ampliados muchos de los detalles a los que se refiere la locución y los detalles artísticos del capítulo siguiente.






Influencias artísticas.

El cuadro es una buena muestra de las influencias pictóricas de un Tiziano maduro y manierista:
  • En primer lugar hay que ponerle en relación con su maestro Giorgione. El conjunto festivo recuerda otro cuadro que se atribuye indistintamente a Giorgione o a Tiziano, el Concierto Campestre del museo del Louvre. La música, el desnudo sensual y el paisaje rural son los elementos de unión. Aún más evidente es el recuerdo de La Venus dormida de Giorgione en la postura y el desnudo de Ariadna, aunque el desnudo de Tiziano resulta  más erótico.

  • El protagonismo que tiene el paisaje e incluso el mostrar una naturaleza inquietante, en absoluto serena, también puede provenir de la influencia de Giorgione. Vemos que el viento agita las ramas, que  las nubes crecen amenazantes desde el fondo o que el suelo en vez de ser llano se convierte en una cuesta. Todo ello acentúa el frenesí y forman parte de la composición desequilibrante y del juego de luces del cuadro.
  • El protagonismo de los cuerpos desnudos y, sobre todo, los escorzos y el movimiento de la escena denotan la influencia de Miguel Ángel. Los tonos pastel -naranja, azul y rosa- de los danzantes también es otro recurso miguelangelesco y manierista.


Rasgos característicos de la mano de Tiziano.
  1. El pintor se muestra como un maestro de las calidades de los objetos. Los árboles, los ropajes, las redomas de vidrio, loza o metal le interesan con el mismo detalle que los cuerpos. Sus texturas son plásticas y precisas.
  2. La tradición veneciana del color es enriquecida por Tiziano con sus tonos cálidos, brillantes e intensos, a menudo animados por una luz resplandeciente.
  3. La composición que parece caótica en realidad marca el ritmo de la música y le acerca al barroco creando líneas paralelas que huyen hacia el la do derecho de la escena. Danza, música, vino, erotismo y paisaje desafían nuestros sentidos en una composición en la que la armonía de la luz coloreada constituye el elemento integrador del conjunto.


El  conjunto de la obra de Tiziano.

El pintor es uno de los artistas que más influencia ha ejercido en la historia de la pintura. De su taller salieron una pléyade de pintores manieristas venecianos entre los que destacaremos a Tintoretto, a El Veronés y a los hermanos Bassano entre otros. Más allá de Italia dejó honda huella en la obra de pintores flamencos como Rúbens (del que se conserva una copia de La Bacanal en el Nationalmuseum de Estocolmo) o en pintores españoles como Velázquez.

La Bacanal según Rubens. Copia de la de Tiziano, pero nótese el estilo inconfundible de Rubens en el modelo humano más carnoso y en cómo retuerce los troncos de los árboles o exagera aún más los escorzos. Por cierto, Rubens se muestra también más pudoroso. 



Su dilatada vida, cerca de noventa años, y su dedicación le convirtieron en uno de los pintores más prolíficos y dominador de muchos géneros. En el Museo del Prado tenemos una magnífica colección: practicó con excelencia  el desnudo bello y  la mitología  (Dánae y la lluvia de Oro, Venus y Adonis, Venus recreándose con la música..), pero también el tema religioso (Adán y Eva, El Santo Entierro...)y, sobre todo, el retrato donde procura darnos una visión idealizada del retratado (El emperador Carlos V en Mühlberg, retrato de Federico II Gonzaga, Autorretrato...).

LA CATEDRAL GÓTICA, EDIFICIO EMBLEMÁTICO DE LA ARQUITECTURA DE TODOS LOS TIEMPOS. LA CATEDRAL DE NOTRE DAME DE CHARTRES, EL PRIMER EJEMPLO DE GÓTICO PLENO.

La catedral es el monumento característico de la arquitectura gótica, en la que se reúnen todas las características esenciales del estilo.

La catedral como elemento aglutinador de una sociedad.

Su construcción está vinculada al renacimiento de las ciudades a partir del siglo XII. Se erige en el centro de la urbe sobre antiguas construcciones, normalmente religiosas.

La catedral se erige por encima de la ciudad. Chartres vista desde el sudeste.




Dirige o promociona la obra inicialmente el obispo, pero en su construcción participa, mediante donaciones o trabajo personal, el esfuerzo comunal de todos los ciudadanos, que terminan sintiéndola algo suyo. Era la época de las Cruzadas, y quienes no podían engrosar los ejércitos que se dirigían a Tierra Santa, hacían su manifestación de fe y entusiasmo con inmensos sacrificios levantando las catedrales de su ciudad. Los reyes, los nobles y los clérigos hicieron gala de gran generosidad  con la contribución de sus bienes. Los campesinos  se enganchaban a los carros y llevaban piedras, vigas y alimentos a los obreros. Los artesanos agrupados en sus corporaciones juntaban dinero y ofrecían una vidriera o un objeto de culto. La catedral se ligará a las vidas de sus ciudadanos además a través de las ceremonias litúrgicas y festivas más solemnes que viva la ciudad. En lo privado sus habitantes recibirán los sacramentos del bautismo y del matrimonio y los gremios y cofradías adquirirán capillas y lugares de sepultura en ella. El tañido de sus campanas marcará las horas y el ritmo de vida en la ciudad...

En la construcción de una catedral participa toda la ciudad.




Esta obra es fruto del trabajo de varias generaciones, aunque hay un arquitecto o maestro de obras inicial, que trabaja con cuadrillas de canteros a los vigila y dirige todo. No obstante, la historia añade distintos avatares a la misma: destrucciones; reedificaciones; modificaciones sobre el programa de construcción según se van imponiendo nuevos estilos o modas; malas y buenas restauraciones; añadidos fuera de plano; adiciones decorativas de todos los tiempos... La catedral pues supone la labor de la ciudad durante siglos y, por tanto, el edificio adquiere el valor documental no sólo del momento en que se construyó sino del devenir histórico.

Planta de la catedral de Chartres. Historia de sus fases constructivas.




La catedral se convierte además en un símbolo, produciéndose entre las ciudades cercanas una especie de emulación por poseer la catedral más esbelta y elevada.

La catedral técnicamente.

El edificio se levanta conforme a principios matemáticos racionales, basados en la geometría del triángulo.

La planta se organiza en tres o cinco naves. El crucero puede estar señalado sólo en planta y formar una cruz latina. La cabecera posee girola, simple o doble, a la que se abren las capillas de las diversas advocaciones, en las que se celebran los cultos privados.

Las naves del interior se dividen por medio de pilares cruciformes y se cubren con bóvedas de crucería. Este sistema permite levantar las naves a mayor altura y liberar el muro de su función sustentante pudiendo ser sustituido por ventanales diáfanos que le den luz. Éstos se construyen con arcos apuntados y rosetones circulares con vidrieras polícromas, que las embellecen y dan al interior una luz coloreada mágica. El espacio interior se enriquece además con gran cantidad de retablos e imágenes, además de las tumbas que pueden ser monumentales y desde el siglo XV muy recargadas desde el punto de vista escultórico.

Interior de la nave central de Chartres. Triforio, vidrieras y bóvedas.




Los ingresos se sitúan tanto en los pies como en los extremos de los brazos del crucero. En ellos se encuentran las portadas, generalmente tres, que concentra la decoración escultórica conforme a un programa iconográfico determinado.

La fachada principal suele estar flanqueadas por dos torres de planta cuadrada que constan de varios cuerpos que se rematan en terraza en Francia o con una aguda flecha. Las torres manifiestan, más que cualquier otra construcción, aspiraciones técnicas de vencer  a la fuerza de la gravedad y el sentido ascendente de la obra. Sin embargo, es lo último que se levanta en una catedral pudiendo por tanto no realizarse por falta de presupuesto o cambiar de estilo o incluso resultar asimétricas. El crucero puede ser otro buen sitio para levantar una flecha que alcance incluso más altura que las torres.

Alzado de Chartres. Fachada de occidente o principal. Torres asimétricas.




Por último, rodean el perímetro de la catedral recios contrafuertes, que reciben los empujes de los arbotantes, y son rematados por pináculos.

Para una explicación de los principales elementos arquitectónicos góticos véase este otro artículo del blog.

La catedral de Notre Dame de Chartres, Francia.

Vamos a analizar la catedral de Chartres porque se la considera la primera gran obra en la que se consiguen los elementos característicos de la arquitectura gótica. También es importante porque sus logros se aplicarán en otras catedrales del gótico pleno como Reims (a partir de1211) o como Amiens (a partir de 1220). Para comprender mejor la explicación podemos ver la siguiente presentación.

En 1194 se comenzó la reconstrucción de la antigua catedral románica del siglo XI que había sido devastada por un incendio. El arquitecto de la nueva catedral, cuyo nombre desconocemos, decidió conservar el pórtico principal o fachada de occiendte, realizado en 1140, y la cripta, lo que en cierta manera determinó todas las medidas básicas importantes de la nueva construcción, incluso en parte la localización de los pilares y de los tramos de la bóveda.
  1. Un cuerpo longitudinal inicialmente de tres naves con estrechos tramos de bóveda cuatripartita, ampliado a cinco naves en la parte del coro. La fachada antigua, respetada por el incendio, impidió su prolongación. La de Reims que no tendrá este handicap la alargará llevando la verdadera proporción a este tramo.
  2. Una girola doble con cinco absidiolos.
  3. Un transepto centrado y no muy sobresaliente de tres naves con fachadas y pórticos en ambas alas.
Planta de Chartres. Partes.




La cabecera junto con el transepto tenía por primera vez una amplitud de la que no se conocía otro ejemplo. En este inmenso presbiterio se podía sentir la majestad del Santo Sacrificio que celebraba el obispo rodeado de sus canónigos.
  • El espacio interno se define por el aumento de la verticalidad y la simplificación de los pisos.
  1. El alzado antiguo tenía cuatro pisos. Desaparecen las tribunas, con lo que el espacio vertical queda dividido sólo en tres pisos desiguales: la arcada de la nave lateral, un pequeño triforio sencillo y un gran ventanal. El primero y el tercero de los pisos son de las mismas dimensiones, mientras que el triforio es aproximadamente un tercio de los anteriores. La supresión de las tribunas representó dos ventajas: permitió elevar más las naves laterales y aumentó la iluminación al hacer mayores las ventanas.

  1. La pared de la nave central se articula verticalmente a través del pilar y de las columnas adosadas del mismo que reciben los arcos de las ojivas diagonales de las bóvedas cuatripartitas y del arco fajón que compartimenta de tramo en tramo la bóveda central y al llegar al piso inferior los arcos formeros de la nave lateral. El pilar circular inferior sólo esta guarnecido por cuatro columnas adosadas desde la misma base que acentúan el movimiento ascendente.
Pilares cruciformes y ventanales con vidrieras. El triforio.




  1. Las ventanas del piso bajo son todavía abocinadas y dejando gran parte del muro.  Sin embargo, las ventanas de la zona alta ocupan por primera vez toda la pared, desapareciendo el macizo en el piso superior. Posee dos grandes ventanas ojivales, separadas sólo por una jamba y un rosetón de ocho lóbulos por encima, rodeado de una corona de otros ocho intermedios y ocho pequeños, que dejan todavía mucha piedra al descubierto. Habrá que esperar a la catedral de Reims (1210) para encontrarnos con un ventanal de tracería completa.
  2. Todas las bóvedas que se levantan son de crucería cuatripartitas que llegan a los 37 metros de altura, dejando pequeñas a las de Sens y Laon que pocos años antes habían alcanzado los 24 metros con este mismo sistema.
  3. En el suelo de la nave central hay trazado sobre el pavimento un famoso laberinto, que ha dado pie a numerosas interpretaciones y misterios.
El laberinto de Chartres. Comienzos del siglo XIII.




  • El exterior muestra también gran claridad compositiva y austeridad decorativa. Todavía carece de la multitud de elementos decorativos góticos que tienen otras construcciones hechas a partir del siglo XIII.
  1. Las tres fachadas de entrada se conciben de igual manera en horizontal que en vertical. Tres pisos claramente diferenciados: el de la puerta de entrada y el de los ventanales y el del rosetón superior. Tres calles verticales: la central más ancha que corresponde al espacio de la nave central, las laterales con sobresalientes contrafuertes donde levantar dos torres paralelas.
  2. Las torres de la entrada del transepto, que están proyectadas en planta, no se llegaron a levantar posiblemente para no restar protagonismo a las de la entrada principal. Éstas, no obstante, se terminaron en épocas distintas y le dan un toque asimétrico que dota de originalidad a esta catedral. La del sur es la más antigua, se levantó entre 1140-70 en un estilo de transición entre románico y gótico. Se remató con un tejado cónico en forma de aguja, que potenció la intención vertical del gótico, hasta alcanzar los 105,5 metros. Este remate no es frecuente entre las catedrales de esta zona de Francia. La segunda torre, la norte, es de una complejidad decorativa plenamente gótica flamígera de comienzos del siglo XVI, obra de Jean de Beauce. El chapitel está perforado con una tracería de filigrana que alcanza algunos metros más que su compañera.
Las torres de Chartres. La norte del siglo XVI, la sur del siglo XII.




  1. Los pórticos aún recuerdan la temática y los rasgos artísticos románicos. El de la fachada principal o Pórtico Real, de 1140, representa a Cristo Pantocrátor en el tímpano de la puerta, entre los tetramorfos de los evangelistas y en las jambas los apóstoles representados con gran rigidez como las típicas estatuas/columnas del románico. Sin embargo, las figuras de las arquivoltas se disponen a lo largo del arco, como en el gótico, y en las otras dos puertas se representan dos temas típicos del nuevo espíritu: la Ascensión del Señor y escenas de la vida de la Virgen. Los pórticos del crucero son también de puerta triple. Se encuentran bajo un tejadillo de gablete. Son ya del siglo XIII en estilo y temática.
  2. En la catedral de Chartres encontramos por primera vez que el sistema de descarga exterior de las bóvedas se muestra al descubierto a través del sistema de arbotantes de doble arquería que transmiten el peso entre los contrafuertes de la nave central y el contrafuerte exterior, sin embargo aún no se ha inventado el pináculo que asiente el contrafuerte y le dote de decoración.
Contrafuertes y arbotantes de Chartres.



Más sobre Chartres.

Excelente página para ver más imágenes.
También excelente la página de Romanes.com.
Para un estudio profundo, pero en francés.